La Fotografía como medio de Expresión Artística en las instituciones educativas puede contribuir eficazmente a desarrollar la sensibilidad estética, avivar la imaginación creativa y estimular una apreciación reflexiva de los aspectos visuales que rodean al estudiante. El presente documento contiene algunas nociones básicas de composición fotográfica, acompañadas de una serie de buenas practicas para lograr en los estudiantes el desarrollo de la técnica fotográfica y de la imaginación. Este documento, que acompaña a otro sobre Fotografía digital, tiene como objetivo plantear aspectos de la Fotografía que no necesariamente son técnicos, pero si fundaméntenles, antes de salir a la caza de buenas “instantáneas”.
Algunos de los conceptos expresados en este artículo y de las Fotografías que lo ilustran provienen del libro “Curso de Fotografía Básica” de John Hedgecoe, por tanto, solo podrá ser descargado o impreso para fines educativos, queda prohibida su reproducción o cualquier otro uso.
COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN
Las nociones básicas sobre la composición de una imagen son algo que debe tener en cuenta quien se sitúa tras una cámara fotográfica. La comprensión de ciertos conceptos técnicos como volumen, ritmo y textura, entre otros, permitirán "ver" mejores Fotografías y componer Imágenes con conocimiento de causa. La práctica de estos conceptos contribuirá a que el estudiante desarrolle su capacidad para percibir e interpretar críticamente las Imágenes del entorno, refinando la sensibilidad estética e incrementando la conciencia ambiental, como factores que contribuyen a la calidad de vida.
LA ORGANIZACIÓN
En la Fotografía, la organización es el primer elemento del Lenguaje plástico-visual con el que debe familiarizarse el estudiante. La cámara, contrario a la mirada humana de una escena, reproduce sin distingos todo que aparece en el encuadre. Debido a esto, los principiantes se sorprenden cuando aparecen cosas o personas inesperadas en sus Fotografías: líneas que cortan un paisaje, o en primer plano un brazo sin cuerpo o un cable eléctrico. Frecuentemente sucede esto porque el fotógrafo no repara en estos elementos durante la toma, por estar concentrado en su punto de interés.
La mirada escrutadora del ojo es algo que el fotógrafo debe imponer a la imagen mediante el enfoque selectivo o cambiando el punto de toma para que los detalles sin interés desaparezcan, se emborronen (mediante la profundidad de campo), se oculten o queden supeditados a la composición general. Para lograrlo hay que aprender a mirar como cámara y no como persona que al mirar una escena se concentra en lo que le interesa, ignorando lo demás.
La fuerza de una imagen formal radica frecuentemente en la relación de los elementos que la componen con las líneas imaginarias que la dividen horizontal y verticalmente, en tres partes iguales. Aquéllas con primer plano, distancias medias y fondo claramente discernible resultan especialmente eficaces si estas áreas forman tercios. La intersección entre dos tercios horizontal y vertical constituye una buena localización para el centro de interés. Desde aquí la vista puede recorrer toda la imagen siguiendo líneas y curvas o recorriendo centros secundarios de atención.
Los ojos de la chica constituyen el centro de atención y también
gracias a las líneas de la roca y el gorro de su madre.
EL CENTRO DE ATENCIÓN
Mediante la Fotografía, el estudiante puede expresar sus emociones, ideas y sentimientos, observando de su entorno. Cuanto más complicado sea lo que estemos observando, más importante será determinar un punto de vista y un ángulo que clarifiquen la imagen e ilustren exactamente lo que se pretende. Cada vez que se hace una Fotografía hay que preguntarse qué es lo que se quiere decir y analizar estas intenciones conscientemente en lugar de dejarlas a merced del azar o de la intuición. Por ejemplo, al inclinar la cámara hacia abajo y hacer la toma desde este punto desaparece cualquier fondo inconveniente o se elimina el primer plano. Ensaye un ángulo diferente. Sea creativo. Agáchese y vea al sujeto de una nueva forma, tómese su tiempo para encontrar el mejor ángulo.
Decida si hay elementos irrelevantes, distractores, excluibles o disimulables, desde otra posición. Probando varios puntos de toma es fácil darse cuenta de que se puede llegar al fondo de la esencia del sujeto. La reflexión crítica sobre lo que se ve es una parte vital del proceso de exploración.
Por otra parte, es fácil olvidar la importancia que tienen ciertos detalles a la hora de contextualizar y establecer una escala de tamaños en una Fotografía, lo que exige concentrarse en el visor para no dejar fuera nada importante. Así, el tamaño del sujeto sólo será obvio si en la imagen se incluye algo de tamaño conocido con que compararlo, como una persona.
casa moderna "destroza" la vista de la antigua iglesia tomada desde la carretera.
Alejarse un poco de la carretera bastó para hacer la Fotografía de la iglesia enmarcada por un par de árboles que, de paso, ocultan las zonas sin interés del fondo
PROFUNDIDAD
La creación de la sensación de profundidad en una superficie plana es un problema legendario para pintores y dibujantes. Los principios geométricos de la perspectiva lineal, tan utilizada por estos, es inherente a casi todas las Fotografías. Pero además de la perspectiva lineal puede lograrse sensación de profundidad utilizando la neblina atmosférica que hace que los objetos distantes tengan colores más claros y menor definición que los del primer plano. Por ser la neblina un fenómeno atmosférico que no siempre está presente, el enfoque selectivo es la técnica de separación de lo lejano y lo próximo más utilizada por los fotógrafos. Una gran abertura del diafragma (f2.8) producirá poca profundidad, dejando fuera de foco los objetos situados por delante y por detrás del centro de atención. Puede ver algunos ejemplos sencillos pero muy ilustrativos de los resultados que se obtienen de una misma imagen con diferentes valores en la velocidad de obturación y apertura del diafragma (profundidad de campo) en Motivarte.com (http://www.motivarte.com).
PERSPECTIVA
Hay ocasiones en las que con solo cambiar el ángulo de la toma se incrementa la sensación de lejanía que da la perspectiva lineal.
El hecho de que el punto de fuga (punto de convergencia de las paralelas) quede fuera de la toma contribuye a dar la sensación de lejanía.
PENSAR EN BLANCO Y NEGRO
La Fotografía en blanco y negro pone de manifiesto las formas, volúmenes y detalles esenciales de cualquier sujeto al convertir el complejo juego de luces y colores en tonalidades del gris. La práctica permitirá contemplar los sujetos en términos de su equilibrio tonal y del ambiente que pretenda crear. Un tema sombrío, por ejemplo, pedirá tonos predominantemente obscuros, mientras que una textura delicada irá mejor con un contraste bajo.
PENSAR EN COLOR
Una buena Fotografía en color debe provocar una respuesta emocional acorde con el tema que representa, siendo su consecución cosa de gusto y buen juicio más que de normas. Ciertas combinaciones de color resultan en general armoniosas, otras son más llamativas o discordantes. En las Fotografías, los colores claros parecen situarse más cerca del observador que los oscuros. Cualquier color queda determinado por los que lo rodean. Un color puro lo parecerá más contra un fondo neutro no saturado, y viceversa, un color fuerte se debilitará en presencia de otros igualmente fuertes.
Los colores armoniosos están próximos en el circulo cromático, los contrastados ocupan lugares opuestos. Ver más información sobre el circulo cromático y sobre la teoría del color en News Artes Viruales (http://www.newsartesvisuales.com/funda/color2.htm).
LA FORMA
La forma, el volumen, la textura y el color son diferentes aspectos del carácter físico de los objetos. Los estudiantes deben utilizar estos aspectos para investigar sus posibilidades como recursos de creación artística. La forma es el más importante de estos cuatro elementos ya que regularmente, para reconocer un objeto nos basta su silueta.
Los objetos a siluetear se sitúan ante una ventana, asegurándose que ninguna luz u objeto extraño estropean el perfil. (DIAGRAMA: John Hedgecoe)
También se pueden hacer siluetas parciales en las que áreas silueteadas se combinen con otras en el que el modelado sea normal.
RITMO
Los motivos rítmicos se encuentran en cualquier parte, siendo las formas naturales fuentes particularmente abundantes de ellos. Por ejemplo motivos geométricos regulares como, la disposición de las hojas de ciertas plantas, están incluidos en formas más complejas que a su vez se repiten a mayor tamaño.
Para fotografiar motivos rítmicos, con formas repetidas en una forma ordenada, lo mejor es establecer un punto de toma frontal y plano, cerrando el objetivo (f16) para aumentar la profundidad de campo. (FOTOS: Instituto Nuestra Señora de la Asunción, Cali)
TEXTURA
La Fotografía puede reproducir la textura de una superficie con una fidelidad tal que es fácil presentir la sensación que produciría tocarla. El resultado dependerá siempre de la iluminación. Cuando la luz oblicua resalta una textura, muchas superficies sin aparente interés quedan transformadas en temas muy decorativos. Explorar nuevos aspectos en objetos cotidianos es tratarlos como texturas: un tablón de madera, la raíz de un árbol, una hoja que muestre sus nervaduras pronunciadas, etc.
En el paisaje hay texturas que son más aparentes por la mañana y al atardecer, cuando la luz alcanza oblicuamente las superficies. Conviene que la luz sea directa; la de un día nublado aplanaría la imagen y uniformizaría las irregularidades del terreno.
VOLUMEN
Lo que da a los objetos fotográficos su aspecto sólido, su modelado es sobre todo el juego de luces y sombras. La calidad y dirección de la luz son determinantes para lograrlo. La yuxtaposición acentúa los volúmenes: rígido y blando; suave y anguloso, son cualidades que adquieren mayor relevancia si se presentan juntas.
La luz posterior y lateral ha moldeado la redondez de la columna. (FOTO: Instituto Nuestra Señora de la Asunción, Cali)
ILUMINACIÓN
En muchos casos se necesitará suficiente luz para poder enfocar o distribuir la luz de manera pareja para evitar sombras. Con el uso de “flashes” se obtiene gran profundidad; además en distancias cortas, los extremadamente cortos momentos de luz, evitan que la cámara o el movimiento del sujeto difuminen la imagen. Sin embargo, en algunos casos, el flash cambia el color de la Fotografía o causa una sobre exposición por estar muy cerca del sujeto. En estos casos, lo mejor es utilizar otra fuente de iluminación. Sea creativo. Utilice cartones forrados con papel de aluminio o espejos como refractores. Si toma Fotografías en el interior, pruebe diferentes lámparas domésticas. Utilizar una cámara digital permite experimentar, verificar inmediatamente los resultados y probar algo completamente diferente.
El contraste entre luz y sombra también puede resultar interesante.
FILTROS
Los hay de dos tipos: para corrección y para lograr efectos especiales. Mientras que los primeros ayudan con la precisión de color que requiere un fotógrafo profesional, los segundos aportan un toque llamativo a escenas normales. Al utilizar filtros especiales en forma moderada, aumentan las posibilidades de control sobre la imagen y permiten obtener fotos imposibles de lograr de otra forma. Puede apreciar algunos ejemplos en el uso de filtros en el sitio Web de Cokin, uno de los mayores fabricantes de estos (http://www.cokin.fr/gallery.html.html).
